Biografía de Waldo Belloso

Waldo Belloso nació el 4 de abril de 1933 en un pueblo de la provincia de Buenos Aires llamado Capilla del Señor. Waldo cursó sus estudios primarios en la escuela cuya Directora era su madre, Angela M. de Belloso, de manera que no tuvo más remedio que tener una asistencia perfecta. También realizó los estudios secundarios en Capilla del Señor, pero debido a que su madre ocupaba la cátedra de Historia de segundo y tercer año, Waldo tenía que ser calificado después de un examen por escrito por el Director del colegio, Fernando Rojo, lo que tuvo como consecuencia que adquiriera un buen conocimiento de esas materias.

A la edad de seis años Waldo Belloso comenzó a estudiar piano con la profesora María Elena Etchegoín, del Conservatorio Williams, recibiendo el título de profesor a los trece años. Desde muy temprana edad se dedicó al folklore, teniendo a su cargo la dirección musical de los espectáculos infantiles que se representaban en la escuela.

En 1952 Waldo Belloso participó en un concurso realizado en Buenos Aires para ocupar una cátedra en la Escuela Nacional de Danzas. Por esos años comenzó a estudiar armonía y composición con Carlos García, y aunque las lecciones eran de una hora, solían extenderse a varias más, amenizadas con animadas charlas que se interrumpian cuando los llamaban a almorzar.

Waldo Belloso fue pianista de varios conjuntos, el más conocido de ellos el de "Los hermanos Abrodos", al que con su piano le imprimió un sonido fácilmente identificable. Unos años más tarde se separaría de ellos para formar su propia agrupación. Su debut se produjo en el programa "Aquí está el folklore", que se emitía por Radio Belgrano, teniendo a su cargo la dirección de la orquesta estable de la emisora. La actividad de Waldo Belloso se desarrolló después realizando actuaciones en radio, televisión, teatros, grabaciones y peñas.

Waldo Belloso tiene una destacada trayectoria como autor de numerosas obras musicales, entre las que cabe citar la "Gavota de Buenos Aires", que ya había compuesto al ingresar con "Los hermanos Abrodos", con quienes este tema tuvo gran difusión. También son de Waldo Belloso piezas folclóricas muy conocidas como "Anocheciendo zambas", "El gato de la fiesta", "Cuando llegue el alba", el "Himno a Cosquín", "Balsa de recuerdos", y muchos otros, totalizando alrededor de 500 temas de raíz folclórica.

El 4 de Abril de 1963, Waldo Belloso se casó con Zulema Alcayaga (de quien es la letra del "Himno a Cosquín"), y tuvieron dos hijos. Mientras tanto continuó estudiando medicina, y se especializó en Oftalmología, recibiendo su título poco tiempo después, a mediados de los '60. Con una gran vocación por la medicina, ejerció su especialidad de oculista a la vez que se desempeñaba como músico y compositor.

En 1965 Waldo Belloso tuvo a su cargo la música de la película "Cosquín, amor y folclore", dirigida por Delfor María Beccaglia y protagonizada por Elsa Daniel y Atilio Marinelli. El guión de la misma pertenece a Juan M. Beccar y Marcelo Simón y en ella participaron los más importantes solistas y conjuntos del folclore argentino, en el momento culminante del Festival de Cosquín.

Waldo Belloso y Zulema Alcayaga son los autores de las "Canciones para argentinitos", entre las cuales tuvo gran éxito "El gato de la calesita", grabada por Hernán Figueroa Reyes. También fueron los creadores del personaje "Margarito Tereré", dedicado al público infantil, y que fue llevado al cine y a la televisión.

En colaboración con Beatriz Durante Waldo Belloso escribió el libro "Danzas Folclóricas Argentinas", y también pudo concretar un proyecto madurado durante años, el de poder grabar todas las danzas tradicionales, siguiendo el orden utilizado en la Escuela Nacional de Danzas. La grabación original se hizo en tres discos de larga duración, denominados: "Danzas del Primer Curso"; "Danzas del Segundo Curso" y "Danzas del Tercer Curso".

El 14 de Junio de 1985, Waldo Belloso falleció repentina e inesperadamente a los 52 años de edad.

Biografía de Transito Cocomarola

Tránsito Cocomarola nació el 15 de agosto de 1918 en San Cosme, provincia de Corrientes, a unos 34 kilómetros de la ciudad de Corrientes, más precisamente en un campo llamado "El albardón", propiedad de su padre, situado en el departamento de San Cosme. Su nombre real era Mario del Tránsito Cocomarola, y su padre, que era de origen italiano (había nacido en la Isla de Capri), era hacendado y tenía campos en Corrientes.

A su padre le gustaba mucho la música y solía tocar el acordeón, así que Tránsito Cocomarola se inició con este instrumento desde muy chico (seis o siete años de edad). Aprendió solo, con un acordeón de ocho bajos y 21 botones, al que suelen llamar "verdulera". Se daba maña para sacar alguna polquita... Tránsito Cocomarola siempre trabajó con la música, hizo de ella su oficio, y a los 13 años ya era músico profesional. Su padre había fallecido un año antes. Cuando todavía era un adolescente, a los 16 ó 17 años, formó un conjunto llamado el "Trío Cocomarola", que actuaba en bailes familiares. El trío estaba formado por Leónidas López y Rafael Cantero en guitarras, y Tránsito Cocomarola en bandoneón, instrumento que también aprendió a tocar solo. Después estudió música con don Antonio Gianantonio, un correntino radicado en Buenos Aires, con quien estudió durante tres años. Allí se conocieron con Constante Aguer, con quien compondría el chamamé Kilómetro 11, llamado "el himno de Corrientes", aunque curiosamente en un principio fue registrado como polca. Tránsito Cocomarola vivía en Corrientes, aunque residió durante algún tiempo en la Capital Federal.

Tránsito Cocomarola actúo con su "Conjunto Cocomarola" por todo el litoral, la provincia del Chaco, el norte de Santa Fe, y otras zonas de la región. El conjunto estaba formado por Roque Librado González en acordeón, Antonio Niz en guitarra, Lisardo Cáceres, Alfredo Reyes e Hipólito Vargas como cantores, y Tránsito Cocomarola en el bandoneón. En realidad eran un bandoneón, un acordeón, tres guitarras y un contrabajo, porque los cantores acompañaban con guitarra, salvo Cáceres, que tocaba el contrabajo. Todo el repertorio era del litoral: valseados, rasguidos dobles, chamamé, etcétera.

Su labor como compositor también comienza a temprana edad, pues a los 15 ó 16 años compuso su primera pieza, que fue un chamamé llamado "Laguna Totora", que fue grabado en 1941 ó 42 en "Odeón", pues en esa fecha empezaron a grabar para aquel sello. Ese mismo año en Buenos Aires formó parte del conjunto de Pedro Sánchez, donde tocaba el típico acordeón de ocho bajos y dos hileras, que se adapta más a la interpretación dé la música del chamamé...

En una oportunidad en que Tránsito Cocomarola estaba realizando una grabación con el conjunto "Los Hijos de Corrientes", lo escuchó un directivo del sello discográfico y le propuso grabar con su propio nombre. Este fue el origen  del legendario "Trio Cocomarola", con el que realizó sus primeras grabaciones como director de su propio conjunto: el 19 de mayo de 1942 grabó sus primeros diez temas en el sello Odeon con acordeón de dos hileras y bandoneón.

En 1952 se incorpora a su conjunto el duo "Vera-Lucero", integrado por Salvador Miqueri y Eustaquio Vera. Entre 1952 y 1956 graban una serie de temas compuestos por Tránsito Cocomarola y Salvador Miqueri que se convierten en grandes éxitos, complementándose el dúo de voces con el toque justo y armonioso del bandoneón de "El Taita del Chamamé". Grabaron 20 temas, y todos fueron éxitos: Rojheyama, Para Ti, Compañera, El Boyero, Zunilda, Chiripá, Retorno, Puente Pexoa, Imploración, Mi Selva eterna, Rincón dichoso, entre otros.

Tránsito Cocomarola grabó 124 temas en el sello Odeón y 250 en el sello Phillips. Tiene más de doscientos temas registrados en SADAIC, aunque en un reportaje realizado en 1962, en relación con la repercusión que había tenido su tema Puente Pexoa, le preguntaron:

-¿Cuántas composiciones tiene hasta la fecha?

-¿Usted sabe que ya perdí la cuenta? Pero han de ser más de cincuenta, por lo menos... La que ha tenido más éxito es "Puente Pexoa", un rasguido doble. El rasguido doble -aclara Armando Nelli, coautor del tema- es bastante semejante al acompañamiento del tango de la Guardia Vieja...

Falleció el 19 de septiembre de 1974, y por Ley Nº3278 del poder Ejecutivo de Corrientes se instituyó esa fecha como "El Día del Chamamé".

Biografía de Suma Paz

Suma Paz en sus comienzos, en 1962

Suma Paz es el nombre artístico de Eglantine Sulma Enrico, cantautora y guitarrista argentina nacida el 5 de abril de 1939 en Bombal, provincia de Santa Fe y fallecida el 8 de abril de 2009 en Buenos Aires.

El seudónimo de Suma Paz surge del nombre de un lugar de Colombia llamado "Páramo de Sumapaz", ubicado en el Departamento Cundinamarca, en Colombia. A ella le pareció un nombre muy poético y decidió adoptarlo como nombre artístico. Desde entonces, nadie más, ni siquiera su familia, volvió a llamarla por su nombre real: todos la llamaban "Suma".

Los padres de Suma Paz eran chacareros de origen europeo, pero tenía una abuela ranquel con la que pasaba sus vacaciones en la infancia y que caló hondo en su manera de ser. Suma Paz decía de su abuela: "Se llamaba Natalia Salinas, era del asentamiento Fraile Muerto (hoy Bell Ville, Córdoba), yo la conocí vieja, arrugada y encorvadita. Había sido una mujer alta, de contextura robusta como los de su raza. Se levantaba a las 5.30 de la mañana y con un solo dedo dirigía toda la chacra".

Desde muy pequeña Suma Paz tuvo afición por la música, y ya los 6 años de edad tocaba la guitarra. Pasó su adolescencia y juventud en Pergamino, y solía decir que para ella Buenos Aires era "como una madre adoptiva".

Suma Paz obtuvo el título de Licenciada en Filosofía y Letras en la Universidad Nacional del Litoral, pero siendo muy joven decidió dejar la profesión por la música y la poesía. Sus comienzos coinciden con el resurgimiento del folclore, y a partir de 1959 comenzó a escucharse a Suma Paz en programas radiales y también en televisión. Eximia guitarrista, Suma Paz estaba dotada de una voz con un timbre muy particular, y supo darle a la música pampeana una expresividad poco común, especialmente si se tiene en cuenta de que era un repertorio tradicionalmente interpretado por hombres.

El encuentro de Suma Paz con Atahualpa Yupanqui marcó su vida. De allí en adelante se dedicó a difundir la obra del maestro. Esta tarea de tan enorme responsabilidad, y su proverbial modestia, a veces ocultó su propia labor de creadora de melodías y letras de profundo contenido.

Su primer LP fue "La incomparable Suma Paz" (1960), al que siguieron "Guitarra, dímelo tú" (1961); "Suma Paz (La incomparable)" (1962); "Esencia del folclore" compartido con Carlos Di Fulvio (1963); "El arte de Suma Paz por el mundo" (1967) grabado con motivo de la gira que realizó en Japón, donde ofreció 40 recitales; "Lo mejor de Suma Paz" (1970); "Escuchando a Suma Paz" (1970); "Una mujer con alma de guitarra" (1970); "Llenar de coplas el campo" (1972); "Las hondas raíces de Suma Paz (1980); "Para el que mira sin ver" (1982); "Homenaje a Atahualpa Yupanqui" (1994); "Canto de nadie" (2000) y "Parte de mi alma" (2005).

En 1963 se realizó el I Festival Odol de la Canción, donde Suma Paz interpretó la zamba "Mi pueblo chico" (de Luis Pérez Pruneda y María Adela Christensen), que obtuvo el primer premio como canción folclórica.

En 1977 Suma Paz estrenó la cantata "Ay, Patria mía", basada en la vida de Manuel Belgrano, con textos del historiador Máximo Aguirre y música de su autoría, que fue representada en el Teatro Municipal de Morón con la participación del Coro Mixto dirigido por el maestro Fernández Cevallos y el actor Oscar Casco en los relatos.

Por Radio Nacional y sus 40 filiales, escribió y condujo durante seis años el programa "Pampeanías".

Publicó tres libros de poesía: "Pampamérica" (premiada por la Fundación Steimberg); "Al sur del canto" y "Ultima guitarra".

En el libro "El canto de la Llanura" (2009) Suma Paz cuenta al periodista Rene Vargas Vera el significado de sus canciones. Este periodista también publicó la biografía "Suma Paz en la huella luminosa de Yupanqui".

En 2006 fue distinguida por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, como Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad. Recibió innumerables distinciones, entre ellas se encuentran "Los Grandes Intérpretes" (Sadaic); el Martín Fierro del Instituto de la Tradición de Rosario; el premio "Alicia Moreau de Justo"; el "Discepolín" del Departamento de Cultura del Partido Justicialista y el Kónex de Plata como una de las "Cinco mejores intérpretes de folklore".

Decía Suma Paz:
- Para mí, Yupanqui fue un maestro en el sentido profundo de la palabra y lo primero que me dijo fue: "Si usted quiere lucirse, quiere ponerse lindos vestidos y salir en las tapas de las revistas, cante otra cosa".
- ¡Así era él! Y también me dijo otras cosas muy puntuales que me sirvieron mucho, como por ejemplo: "Póngase detrás de su canto, nunca adelante. No se luzca usted, haga que se luzca lo que usted hace, que es más importante que usted".
- Y otra: "Los atajos son lindos, son cortitos y la van a llevar rápido… lástima que la van a llevar por otro lado".
- Y algo que también me dijo al principio: "Usted ha elegido un camino áspero y solitario; asúmalo y no se queje".

Tres días después de cumplir 70 años Suma Paz falleció víctima de una arritmia que derivó en un accidente cerebrovascular del cual no pudo recuperarse.

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Biografía de Mercedes Sosa

Haydée Mercedes Sosa nació el 9 de julio de 1935 en un hogar humilde de San Miguel de Tucumán. Desde muy joven tuvo apego por el baile, dedicándose a la enseñanza de danzas foclóricas y también al canto. Su primera actuación fue en 1950, con el seudónimo de Gladys Osorio, al ganar un concurso organizado por LV12 Radio Independencia de Tucumán y cuyo premio era un contrato para actuar durante dos meses en dicha emisora.

Entre 1957 y 1965 estuvo casada con Manuel Oscar Matus, con quien tuvo su único hijo, Fabián Ernesto. En 1962 grabó su primer disco producido por Oscar Matus, "La voz de la zafra", que incluía ocho canciones de Matus y Armando Tejada Gómez. El 11 de febrero de 1963, en el Círculo de Periodistas de Mendoza, Mercedes Sosa, Oscar Matus, Armando Tejada Gómez, Tito Francia, y otros, dieron a conocer el manifiesto de fundación del Movimiento del Nuevo Cancionero.

Entre otras cosas este movimiento proponía buscar en la riqueza creadora de los autores e intérpretes argentinos la integración de la música popular en la diversidad de las expresiones regionales del país. Que se utilizara la música típica popular y nativa en las demás artes populares, como el cine, la danza, el teatro. Afirmaba que el arte, como la vida, debía estar en permanente transformación y por eso, buscaba integrar el cancionero popular al desarrollo creador del pueblo todo para acompañarlo en su destino, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y sus esperanzas. Este movimiento se manifestaría internacionalmente como el Movimiento de la Nueva Canción.

En 1965 grabó su segundo disco, "Canciones con fundamento", que tuvo tan poca repercusión como el primero, aunque con el tiempo se convirtió en el exponente del Nuevo Cancionero. Pero en ese mismo año alcanzó la popularidad, gracias a la generosidad de Jorge Cafrune, quien la presentó al público y le cedió su lugar en el Festival de Cosquín, donde cantó "Canción del derrumbe indio", de Fernando Figueredo Iramain, acompañándose solamente con su caja. Al presentarla Cafrune dijo que "seguramente tendré problemas con la comisión organizadora del festival", que se habría opuesto por la filiación comunista de la cantante.

En 1966 graba "Yo no canto por cantar", donde incluye dos temas emblemáticos: "Zamba para no morir" de Hamlet Lima Quintana y "Zamba azul" de Armando Tejada Gómez y Tito Francia.

En 1967, hizo una exitosa gira por los Estados Unidos y Europa. En 1969 grabó "Mujeres Argentinas" donde cantó composiciones de Félix Luna y Ariel Ramírez, entre las que se destacó "Alfonsina y el mar". En 1970 grabó "El grito de la tierra" en el que canta "Canción con todos" de Armando Tejada Gómez y César Isella, que ha sido considerado como el himno no oficial de América Latina, "Duerme negrito" de autor anónimo recopilada por Atahualpa Yupanqui, y "La pomeña" de Gustavo Leguizamón y Manuel J. Castilla. En 1971 grabó un álbum tributo a la cantautora chilena Violeta Parra, incluyendo temas como "Gracias a la vida" y "Volver a los 17". En 1972 grabó "Hasta la victoria", con temas como "Balderrama" y "La arenosa", de Leguizamón y Castilla, y "Los hermanos" de Yupanqui. De ese mismo año es la "Cantata Sudamericana", con canciones de Félix Luna y Ariel Ramírez. Al producirse el golpe militar en Chile en 1973, Mercedes Sosa decidió no cantar en ese país mientras lo gobernara la dictadura.

Simpatizante peronista al comienzo, al producirse el golpe de estado de 1955 se inclinó por el comunismo, afiliándose a dicho partido. Sus discos fueron prohibidos por el gobierno del Proceso Militar que accedió al poder en 1976, y fue detenida en un concierto realizado en La Plata en 1978. En 1979 se exilió primero en París y luego en Madrid. Regresó a la Argentina en 1982, poco antes de que asumiera el gobierno democrático.

En esa ocasión realizó trece conciertos en el Teatro Ópera de Buenos Aires, donde incluyó temas y músicos de diferentes corrientes musicales, como el folclore, el tango y el rock nacional. Entre los invitados estuvieron Raúl Barboza, Ariel Ramírez, Rodolfo Mederos, Charly García y León Gieco. Entre las canciones no folclóricas que interpretó se destacan "Como la cigarra" de María Elena Walsh, y "Solo le pido a Dios" de León Gieco.

Luego de recuperada la democracia el 10 de diciembre de 1983, se mostró comprometida con las luchas por los derechos humanos y lanzó el álbum "¿Será posible el Sur?" (1984), donde incluye canciones de gran impacto político, cultural y artístico, como "Todavia cantamos" de Víctor Heredia, "Todo cambia" de Julio Numhauser y "Como pájaros en el aire" de Peteco Carabajal.

Como productora organizó el espectáculo "Sin Fronteras", que reunió en el estadio Luna Park de Buenos Aires a las argentinas Teresa Parodi y Silvina Garré, la colombiana Leonor González Mina, la venezolana Lilia Vera, la brasileña Beth Carvalho y la mexicana Amparo Ochoa, además de la propia Mercedes. En los años siguientes actuó en escenarios de prestigio como el Lincoln Center, el Carnegie Hall, el Mogador de París y el Concertegebouw de Ámsterdam, el Teatro Colón de Buenos Aires, y el Coliseo de Roma.

Fue convocada por artistas internacionales como Joan Baez, Andrea Bocelli, David Broza, Chico Buarque, Luz Casal, Gal Costa, Lucio Dalla, Nilda Fernández, Alfredo Kraus, Tania Libertad, Pablo Milanés, Nana Mouskouri, Milton Nascimento, Luciano Pavarotti, Silvio Rodríguez, Ismael Serrano, Shakira, Sting, Cecilia Todd, Caetano Veloso, entre otros, y con músicos argentinos como Roberto Goyeneche, Alberto Cortez, León Gieco, Víctor Heredia, Luis Alberto Spinetta Charly García, Pedro Aznar, Fito Páez, David Lebón, Los Chalchaleros, Teresa Parodi, Soledad Pastorutti, Piero, Ariel Ramírez, Antonio Tarragó Ros, Rodolfo Mederos, Atahualpa Yupanqui, Julia Zenko, etc.

Desde 1995 a 1999 dejó de presentarse en Tucumán por haber sido elegido gobernador de esa provincia Antonio Domingo Bussi, que había formado parte del Proceso Militar, juzgado y condenado en 2008. En 1997 grabó "Alta fidelidad", con canciones de Charly García, pero no pudo presentarlo debido a una depresión aguda que puso en riesgo su vida y que la obligó a retirarse por un año. Grabó luego "Al despertar", que obtuvo el Premio Gardel al Disco del Año. Aunque era agnóstica, en 1999 grabó la Misa Criolla de Ariel Ramírez y la dedicó a su madre, pues aunque ésta era creyente siempre había respetado la ideología de Mercedes.

Representó a las voces de América, en el Segundo Concierto de Navidad realizado en la Sala Nervi del Vaticano para el Vicariato de Roma y el papa Juan Pablo II. En 2001 grabó un disco en vivo, "Acústico" en el Gran Rex, Y en 2002 "Argentina quiere cantar". A partir de 2003 tuvo importantes problemas de salud y regresó en 2005 con el disco "Corazón libre", arreglado por el Chango Farías Gómez, con la edición del sello alemán Deutsche Grammophon.

Su último trabajo es "Cantora", lanzado poco antes de su muerte, un álbum doble donde canta 34 canciones a dúo con destacados cantantes iberoamericanos, y cierra con el himno nacional argentino. Falleció en Buenos Aires el 4 de octubre de 2009.

Biografía de Marta Mendicute

Hay muy poca información sobre Marta Mendicute. Si bien esta autora y compositora tiene en su haber tanto la letra como la música de la mayor parte de una veintena de canciones, han logrado la popularidad solamente dos: "Que seas vos" y "A qué volver", ésta con letra de Marta Mendicute y música de Eduardo Falú. Su lugar de origen es la provincia de Tucumán, aunque sus versos hablan de Tilcara (Jujuy), pero se radicó en Buenos Aires a mediados de la década del 50, donde falleció el 11 de junio de 1981.

Cantante e intérprete de la guitarra, luego del éxito conseguido por "Que seas vos", Marta Mendicute realizó recitales de sus canciones, auspiciadas por entidades culturales, pero es poco probable que haya grabaciones de esta cantautora.

Según sus propias palabras, compuso "Que seas vos" un día en que se sentía muy sola, sentada en su cama. Cuando la cantó entera, sintió algo inexplicable, extraño y poderoso, como que en esas estrofas había puesto todo de sí, lo que le provocaba una gran emoción. Por eso cuando Marta Mendicute tuvo que decidir cuál de sus canciones presentaría en el II Festival Odol de la Canción, realizado en diciembre de 1964, optó por esta zamba, que además era un ritmo accesible y popular.

Si bien Marta Mendicute no aclara quien es "Vos", la letra parece dedicada a un ser querido, a quien le deja esas coplas para que le cante a su cerro "como lo ha sentido, casi con dolor", surgidas probablemente del sentimiento de desarraigo que sienten muchos provincianos que deben emigrar. Un sentimiento que también se expresa en la chacarera "Añoranzas", de Julio Jerez. En uno de los tantos reportajes que se le hicieron al "chalchalero" Juan Carlos Saravia contaba que en su primera gira mundial, cuando se encontraban en Estados Unidos, extrañaban mucho "pero más que a la Argentina, extrañábamos Salta..."

En "A qué volver" Marta Mendicute revela la frustración que produce el atraso de ciertas regiones del país con respecto a la Capital. Hay una lucha entre el sentimiento y la razón; le gustaría volver, pero se encontraría con lo mismo que la obligó a emigrar, o peor aún: ya no encontraría las cosas que añora.

Volviendo a la zamba que la lanzó a la fama, "Vos" podría ser alguien imaginario, quien la cante, o la propia zamba, porque según palabras de la propia Marta Mendicute, al referirse a esa cuestión dice: "Todo el mundo pregunta quien es Vos. Yo quiero que permanezca en el incógnito. Ya mi cerro debe saber cómo lo he sentido. Deseo que cada interprete le dé ese Vos como lo hace Jorge Cafrune, con su calor, su ternura conmovedora y con la fuerza de su autenticidad." Si se analiza la letra de la zamba, la intención es que "Vos" le haga saber a "su tierra" que se ha ido por necesidad, en busca de mejores horizontes, pero que no ha dejado de quererla. En realidad parece escrita con el propósito de dejar una especie de herencia para que cuando ella no estuviera se conociera la añoranza que sentía por sus pagos, pero al conseguir una difusión masiva pudo lograrlo en vida: "Ya mi cerro debe saber cómo lo he sentido..."

Biografía de Maria Helena

El verdadero nombre de María Helena era Maria Kalasakis. Nació el 4 de agosto de l946 en Remedios de Escalada, provincia de Buenos Aires, y falleció el 17 de diciembre de 1969 en Santo Tomé, provincia de Corrientes. Su padre, Jorge Kalasakis, era de origen griego y su madre Angélica Hisijos, nacida en la provincia de La Rioja, también es de ascendencia griega. Al crear su nombre artístico agregó al suyo el de su única hermana, Elena, pues eran muy unidas y se querían mucho, pero además para recordar su origen griego, como ella misma lo manifestó alguna vez, y por tal motivo lo escribía de esa manera: María Helena, y no María Elena.

Desde pequeña demostró tener grandes condiciones para el canto; su madre cantaba en el coro de la colectividad helénica y las niñas también formaban parte de él. Comenzó a cantar en público cuando un sacerdote de la iglesia "Cristo Rey" de Lanús le pidió que fuera a cantar en una fiesta escolar. Allí estaba un representante de "Remates Musicales" un programa que conducía Roberto Galán por Canal 9, y después de escucharla le dijo que fuera al Canal para que actuara. Dejó pasar tres o cuatro meses y finalmente decidió ir. Cuando llegó le sorprendió que todavía se acordaran de ella. Al otro día, unos meses antes de cumplir 19 años, debutó en "Remates Musicales", y allí empezó todo, como ella misma dijo en una entrevista...

De "Remates Musicales" Roberto Galán la llevó a la Editorial Julio Korn, y de allí la presentaron en CBS Columbia, donde conoció a Hernán Figueroa Reyes. Le hicieron grabar una cinta y al mes, en junio de 1965, ya estaba en la calle su primer disco con los temas Ribereña y Canto islero, mientras comenzaba sus presentaciones por Radio el Mundo.

En el número 307 de la revista "Cantando", de junio de 1965, se decía lo siguiente: "María Elena, 19 años, argentina, hija de griegos. Es maestra, pero no ejerce, y piensa continuar su carrera como dentista. Toca la guitarra y canta folklore litoraleño, lanzando CBS Columbia su primer disco con los temas Ribereña y Canto islero. Se inició en Canal 9 y actualmente milita en las filas de Radio El Mundo..."

En noviembre de l965 recibió su consagración artística en el III Festival Nacional de la Música del Litoral realizado en el Anfiteatro Manuel Antonio Ramírez de la ciudad de Posadas, Misiones, donde fue la "Revelación" y se le otorgó el premio máximo del Festival: un mate gigante tallado en madera con una placa de bronce en un costado en la que puede leerse la inscripción:

"MARIA HELENA UNA VOZ QUE NACE EN EL CORAZON DE LA NOCHE MISIONERA".

Ese mismo año en el Festival de Marcos Juárez la bautizaron "Sol del Litoral", debido al gran éxito obtenido con esa canción. Al año siguiente participó en el Festival de Cosquín, donde volvió a hacerlo en 1968 y 1969.

En el VI Festival Nacional de la Música del Litoral (1968) realizado en el Anfiteatro Manuel Antonio Ramírez de la ciudad de Posadas, fue tal el entusiasmo del público que fue aclamada como la "Novia de Posadas"

También participó en varios programas como "Guitarreando" conducido por Antonio Carrizo, donde fue galardonada como "Mejor voz femenina", en "Cancionísima" (Teleonce), en "Sábados Circulares" conducido por Nicolás "Pipo" Mancera (Canal l3), actuaciones en vivo en Radio El Mundo, Radio Nacional y otras emisoras del interior del país.

María Helena tuvo un amplio y selecto repertorio, interpretando temas de autores destacados, como Fermín Fierro, Ramón Ayala, Hernán Figueroa Reyes, Oscar Valles, Albérico Mansilla, Horacio Guarany, Eladia Blázquez, José Vicente Cidade, entre otros. Muchas de esas canciones fueron éxitos en su voz, entre los que se pueden citar "Canto islero", "Costera", "Mi serenata", "Soy de Misiones", "Sol del Litoral", "Viejo Paraná", "Corrientes es así", "Mi yerutí" "Polca y chamamé", "Lucerito alba", "Galopera", "El islerito", "No quisiera quererte" y "Canción del adiós". Horacio Guarany compuso Pescador y guitarrero para que ella lo cantara.

Tanto en sus actuaciones en público como en sus grabaciones la acompañaron músicos muy importantes, como Carlos Vallejos, Luis Ferreira (Juan Payé), Papi Barboza, Ricardo Ojeda, José Carli, Oscar Cardozo Ocampo, Waldo Belloso y Rubén Duran.

En el Festival Internacional del Disco, realizado en Mar del Plata, ganó con "Viejo Paraná", acompañada por la Sinfónica de esa ciudad y por el pianista Rubén Durán, autor del tema. En Festirama (Río Ceballos), en el Festival de Doma y Folklore (Jesús Maria), y en la Navidad Gaucha (Oliva) -los tres en la provincia de Córdoba-, la designaron "Madrina". Integró una embajada artistica argentina, en Villa del Maestro, Asunción, Paraguay, donde recibió un diploma.

Se presentó por última vez en el VI Festival del Folclore Correntino, en Santo Tomé. Falleció trágicamente en un accidente automovilístico el l7 de diciembre de l969 en las cercanías de esa misma localidad. Solamente cuatro años de carrera artística fueron suficientes para que dejara un importante legado musical: 58 temas grabados, y muchos de ellos grandes éxitos. Para mayor información sobre esta cantante excepcional recomendamos visitar su Sitio Oficial Recordando a María Helena.

Fuente: Lic. Elena Gloria Alarcón, Comisión de Homenajes a María Helena. Posadas, Misiones, Argentina

Biografía de Los Fronterizos

De izquierda a derecha: Gerardo Lopez, Cesar Isella, Juan Carlos Moreno y Eduardo Madeo.

Este conjunto nació en Salta en 1953, formado por alumnos del Colegio Nacional, que había organizado un festival folklórico. Inicialmente era un trío integrado por Gerardo López, Carlos Barbarán y Emilio Solá; este último se retiró al cabo de un año e ingresaron Eduardo Madeo y Juan Carlos Moreno, quedando así constituído el cuarteto.

En 1956 abandona el grupo Carlos Barbarán e ingresa César Isella. Esto significó un cambio importante para el conjunto: presentó una estructura armónica novedosa, con la voz aguda (Madeo) a menudo cantando sobre la melodía, a cargo del primer y segundo barítono (López e Isella), mientras que el bajo (Moreno) alternaba el acompañamiento con fragmentos solistas. Esta fue la formación que consolidó el estilo y con la que obtuvieron su mayor suceso, comenzando las giras por el país.

En 1963 graban junto a Eduardo Falú y Ariel Ramírez el LP "Coronación del folklore", y en 1964 llega la consagración internacional, tras la grabación de la versión original de la "Misa Criolla" de Ariel Ramírez. El gran éxito cosechado por esta obra les lleva a actuar en los más importantes auditorios del mundo.

En efecto, Los Fronterizos tuvieron éxito no solamente en nuestro país, sino también en el exterior, en Europa, Japón y Estados Unidos, actuando en lugares como el Vaticano, donde interpretaron la Misa Criolla junto a Eduardo Falú y Ariel Ramírez. Fue uno de los conjuntos emblemáticos de la década del 60.

En 1966 Isella decide retirarse para actuar como solista y es reemplazado por Eduardo "Yayo" Quesada. Esta formación persiste durante varios años, hasta que en una de sus giras se produce un grave accidente que afortunadamente no tiene consecuencias fatales ni secuelas importantes para los integrantes del conjunto. Sin embargo se producen desinteligencias entre ellos, cuestionando algunos el trajinar de las giras, que se han llevado la vida de tantos artistas. Poco después, en 1977, se produjo la separación de Eduardo Madeo, que formó su propio conjunto, y fue reemplazado por Omar Jara. La disolución de Los Fronterizos prosiguió ese mismo año con el litigio entre López y Moreno por la titularidad del nombre, que terminó en poder del último. López formó entonces Las voces de Gerardo López, llevando consigo a Jara y a Quesada, e integrando a Rodolfo Escandel. Moreno rearmó el grupo convocando a Germán Sánchez y nuevamente a César Isella.

En diciembre de 1999, se programa un gran homenaje en el Estadio Chateau Carreras de Córdoba. Allí se reúnen Madeo, Moreno, Isella y López para interpretar la "Misa Criolla" junto a Ariel Ramírez. El evento congregó a más de 35.000 espectadores que aclamaron a la formación que hizo famoso al grupo. Como consecuencia de este gran éxito, Ariel Carrascosa propuso a Los Fronterizos unirse de nuevo en modo definitivo, para lo que López, Madeo y Quesada estuvieron de acuerdo. Isella también fue invitado a integrar la formación del conjunto, pero sus ocupaciones se lo impidieron. Moreno declinó la invitación por residir en Estados Unidos.

De este modo nació la nueva formación de Los Fronterizos, con Gerardo López, Eduardo Madeo y Yayo Quesada, que graban el CD "Nuevamente Juntos". El 29 de junio de 2004, en la localidad de Unquillo, Córdoba, se produce el fallecimiento del "Negro" Gerardo López, quien tenía 68 años y vivía junto a sus hijos, nietos y bisnietos.

Fueron muchas las piezas que Los Fronterizos convirtieron en éxitos. algunas de las cuales fueron: Canción del jangadero, Tonada del viejo amor, Zamba del pañuelo, El burrito cordobés, El quiaqueño y Guitarra de medianoche.

Biografía de Los Chalchaleros

Los Chalchaleros 1964 - De izq. a der. Ernesto Cabeza, Juan Carlos Saravia, Ricardo Dávalos y Víctor José Zambrano.

Víctor José Zambrano y Carlos Franco Sosa formaban un dúo, y esa noche habían preparado unas zambitas para cantar. Por otro lado, estaban Aldo y Juan Carlos Saravia. Luego de las actuaciones, se pusieron a hablar amistosamente y quedaron en reunirse los cuatro para formar un conjunto. Ninguno de sus integrantes recuerda con exactitud por qué se autobautizaron Los Chalchaleros; pero sí recuerdan que nació como una broma. Dice Juan Carlos Saravia: "... En Salta, la palabra 'chalchalero' tiene varias acepciones. En primer lugar se denomina así al zorzal, un pájaro que tiene predilección por comer los frutos de un arbusto llamado chalchal. También se le dice chalchalero a aquella persona a la que le gusta 'darse corte' o se muestra vanidosa. Además, en Salta se usa la palabra chalchalero desde siempre para denominar lo que ahora se llama popularmente 'trucho'. Nosotros creemos que fue por un poco de cada uno".

El 16 de junio de 1948 Los Chalchaleros debutaron en el Teatro Alberdi de Salta, primera vez que se presentaban a tocar en público y, como si fuera poco, a sala repleta. Cuenta Juan Carlos Saravia:

"... Nunca me olvidaré de ese día, y no justamente porque fuera nuestro debut. Hoy lo recuerdo como un bautismo de fuego. Sosa tenía que hacer la introducción, y empezó tocando tan rápido que más que una zamba parecía una cueca. Yo me le arrimé, lo miré fijo y le susurré serio y apretando los dientes: 'más lento'. Fue entonces cuando Aldo Saravia, que estaba a mi lado, escuchó: 'adentro', y se largó con la primera estrofa antes de tiempo. Yo tuve ganas de tirarme encima suyo para callarlo, pero Aldito siguió para adelante, cantando como si nada, hasta que finalmente se encarriló la melodía. Bueno... todos lo seguimos, y así, entreveros de por medio, de golpe nos encontramos cantando frente a un grupo de amigos, divirtiéndose, y cada estrofa salía cada vez más linda, y nosotros entonados y serenos, hasta que escuchamos un aplauso caluroso, el primer abrazo a Los Chalchas, que algunos dicen llegó hasta el cielo...".

La formación de Los Chalchaleros ha ido cambiando con el tiempo. En 1949 Aldo Saravia dejó el conjunto y lo reemplazó José Antonio Saravia, que tenía el mismo apellido pero no era pariente directo de ninguno de los otros dos. Al año siguiente, Carlos Sosa, 'Pelusa' , partió a Córdoba con el fin de cursar estudios universitarios en la Facultad de Arquitectura, y ocupó su lugar Ricardo Federico Dávalos, 'Dicky'; un muchacho de 30 años, nueve mayor que los demás, que cosechaba admiradoras en cada una de las guitarreadas. En 1953 se produjo la incorporación de un nuevo Chalchalero, Ernesto Cabeza, 'Cabecita', que integró el conjunto desde el día en que José Antonio Saravia Toledo, 'el Chango' (quien le dio mayor definición musical a Los Chalchaleros) partió a Salta a ejercer como abogado. Años mas tarde Víctor José Zambrano, 'Cocho', cansado de extrañar su casa y su familia, decidió desistir. Después de varios debates Los Chalchaleros lograron comunicarse con Aldo Saravia, que por esas alturas se encontraba convertido en todo un bancario. Tentado con la propuesta de volver al grupo, Aldo le dijo adiós al Banco Provincial de Salta.

En 1961, Los Chalchaleros reciben un doloroso golpe. El 1 de mayo muere Aldo Saravia en un accidente automovilístico en Río Gallegos.

"... Era una gran persona, tan amigo que terminó dando la vida por mí. Porque un par de horas antes del accidente Aldo me había obligado a cambiarme de asiento... Murió al lado mío, lo oí morir. Yo sólo me lastimé un poco la cabeza por haber estado sentado en el medio del auto..." (Juan Carlos Saravia).

Víctor José Zambrano, nuevamente convocado, reingresó al conjunto, en el que permaneció hasta 1966, año en que entró el ex integrante de Los Puesteros de Yatasto, Eduardo Román, 'Polo'. Enseguida, Ricardo Federico Dávalos decidió retirarse de Los Chalchaleros para poder disfrutar de sus nietos, y fue suplantado por el chaqueño Ricardo Francisco Figueroa. "... Nos dijeron que había un músico que nos imitaba perfecto a cada uno de los 'Chalchas'. Ese era Pancho, que con su dejo al hablar y cantar nos hizo enamorar del chamamé" (Juan Carlos Saravia).

En septiembre de 1980 tampoco los acompañó la suerte. Ernesto Cabeza falleció a consecuencia de un cáncer. Durante los dos años siguientes el grupo se presentó como trío, hasta que el hijo de Juan Carlos Saravia, Facundo, se incorporó a Los Chalchaleros en forma permanente, atrayendo consigo a una multitud de jóvenes interesados por el folklore. Hubo exactamente diez Chalchaleros en total y cada uno de ellos aportó su toque personal al conjunto.

Biografía de Los Cantores del Alba

De izquierda a derecha: Javier Pantaleón, Horacio Aguirre, Tomás Campos y Gilberto Vaca.

Los Cantores del Alba nacieron artísticamente en noviembre de 1958, en la casa de Pajarito Velarde, y una turista que se encontraba allí sugirió el nombre para el conjunto al escucharles cantar la siguiente copla popular:

Las aves cantan al alba

Yo canto al atardecer

Ellas cantan porque saben

Yo canto para aprender

Los primeros integrantes fueron Gilberto Vaca, Tomas Campos y Jorge Cafrune, que habían formado parte de Las Voces del Huayra, pero Cafrune a los tres meses se retiró, incorporándose Javier Pantaleón y Alberto González Lobo.

En 1959 Los Cantores del Alba realizan su primera grabación, y luego de grabar por segunda vez Alberto Gonzalez Lobo es sustituído por Horacio Aguirre, como primera guitarra y segunda voz.

Lograron un estilo inconfundible, con voces potentes y expresivas, con arreglos sencillos pero representativos del canto salteño, y sobre todo por su manera de cantar las bagualas y vidalas, como un grito desgarrado.

Al poco tiempo de su creación ya eran conocidos en todo el país. Un conjunto que le gustaba mucho a la gente, por lo cual eran muy solicitados para participar en casi todos los festivales de folclore.

En 1965 Tomás Campos inicia su carrera como solista, desvinculándose del conjunto, y entra en su lugar Santiago Escobar, que formaba parte de Los Gauchos de Güemes. Con esta nueva formación Los Cantores del Alba grabaron "Salta Carpera", "Mas Cantores", "Cantemos Folklore" con el Coro Infantil del Teatro Colón, entre otros.

En 1968 graban un LP llamado Valses y Serenatas, con temas como "Puentecito de mi río" y "Mantelito blanco". En este disco "Versos de un Estudiante" y "Llora Corazón" cuentan con la voz de Tomás Campos, que vuelve a formar parte del conjunto, y los otros diez temas son cantados por Escobar.

En 1970 Los Cantores del Alba realizan su primera gira por Europa, recorriendo España, Francia e Inglaterra. Los ingleses los consideraron como el mejor conjunto de música extranjera y grabaron para la BBC de Londres un especial junto a Los Rolling Stone.

Como consecuencia del éxito obtenido por su primera grabación de Valses y Serenatas, realizan una serie de seis volúmenes con el mismo título que fueron apareciendo sucesivamente hasta 1975. En ellos aparecen títulos como "Adiós Adiós", "Pajarillo", "La lancha del amor", "Cuando llora mi guitarra" y "Nuestro Juramento".

En 1975 Los Cantores del Alba incursionan en la música mejicana dando origen a una nueva serie de discos llamada Entre Gauchos y Mariachis, en los cuales incluyeron canciones como "Llegó Borracho el Borracho", "A orillitas del río", "Vuela Paloma", "La Calandria", "Tata Dios", "Yo soy el aventurero", "Sandunga", y "Malagueña Salerosa". Es interesante acotar que, aun cuando interpretaron estos temas que no pertenecían al folclore argentino, les dieron una coloratura que los hacía parecer como tales. Justamente lo contrario de lo que sucede con otros conjuntos, que cantan zambas como si fuesen baladas...

El 31 de Julio de 1978, en la curva de El Infiernillo, a 25 Km. De Rosario de la Frontera, Javier Pantaleón, encuentra la muerte en un accidente automovilístico. En una selección de voces, lo reemplaza Hugo Cabana Flores, con quien Los Cantores del Alba grabaron ocho discos, en los cuales hay temas como "Baguala en fuga de pena", "En cada esquina un cantor", "Padre vino", "Que nunca falte esta zamba", "La parranda larga".

En 1982 se retira Cabana Flores, reemplazándolo Carlos Brizuela, ex integrante de Los Nocheros de Anta.

El 7 de noviembre de 1986, después de haber grabado el disco "América canta en Salta", fallece Gilberto Vaca, uno de los fundadores del conjunto, es reemplazado por Charango Martínez.

Los Cantores del Alba siguen grabando y viajando, dirigiéndose tres veces a Estados Unidos, y también a otros países.

El 25 de Abril de 1992 fallece Horacio Eleodoro Aguirre, creador de canciones memorables como "El que toca nunca baila", "Serenata Otoñal", "Que nunca falte esta zamba", "Tócame una chacarera", y muchas creaciones más, en compañía de Javier Pantaleón, Campos, Vaca, José Ríos, Hugo Alarcón, José Gallardo y otros. Es reemplazado por Julio Argañaraz, proveniente de Las Voces del Alba. Luego se producen algunas desinteligencias por el nombre del conjunto, que finalmente retoma el nombre, y al cabo de un tiempo muere en Villa Guessel, el hombre nacido en Urundel, Pcia. De Salta, Tomás Campos, la última de las voces fundadoras, y primera voz.

El nombre de Los Cantores del Alba pertenece a sus herederos, Sonia Campos e hijos, que con otros integrantes continúan por la senda de los precursores.

Entre los premios logrados por Los Cantores del Alba está el "Mástil de Oro" en 1965, por ser el conjunto de mayor calidad interpretativa, el "Limón de Oro", revelación y consagración en el Festival Internacional de Piriapolis (Uruguay). Fueron nombrados Huéspedes de Honor de la República del Paraguay, en Inglaterra se los eligió como el mejor conjunto extranjero de 1970, y en 1982 fueron declarados Patrimonio Cultural de Salta. Grabaron además en España y Alemania. Son poseedores de varios discos de oro, y más de 60 grabaciones originales hacen de este conjunto un verdadero tesoro patrimonial de la provincia de Salta.

Biografía de Jorge Cafrune

Su nombre completo era Jorge Antonio Cafrune, hijo de José Jorge Cafrune y Matilde Argentina Herrera nació el 8 de agosto de 1937 en "La Matilde", la finca de sus padres situada en El Sunchal (Perico del Carmen), provincia de Jujuy; sus padres descendían de sirio libaneses, pero eran nacidos en Jujuy. Jorge Cafrune pasó casi toda su infancia en la finca, donde aprendió las tareas rurales y a andar a caballo, pero realizó sus estudios secundarios en el Colegio del Salvador, para lo cual se trasladó a San Salvador de Jujuy. Finalizados los estudios secundarios él y su familia se instalaron en la ciudad de Salta, donde trabajó en el bar Madrid de su tío Ramsy Cafrune, tras del mostrador y como mozo.

La carrera de Jorge Cafrune como folclorista comenzó en ese bar, en la fiesta de cumpleaños de un amigo, donde tras la guitarreada decidió formar un conjunto con otros muchachos que habían cantado allí. Fue así como en 1957 surgió el legendario conjunto "Las Voces del Huayra" (nombre sugerido por su tía Amelia Murillo, esposa de Ramsy), que estaba integrado por Luis Alberto Valdéz, Tomás Alberto Campos, Gilberto Vaca y Jorge Cafrune ("huayra" significa "viento de la quebrada", en quechua). Grabaron un acetato en la discográfica de Salta: "H. y R.", donde los escuchó Ariel Ramírez, quien los contrató para actuar en el Salón Dorado de Mar del Plata, donde el conjunto hizo su debut profesional. Jorge Cafrune tuvo que volver a Salta, pues debía cumplir el servicio militar, que hizo en Jujuy pues pidió que lo trasladaran a esa ciudad. Mientras tanto "Las Voces del Huayra" debían grabar un disco para el sello Columbia, y por tal motivo Jorge Cafrune debía viajar a la Capital Federal para sumarse al conjunto.

Más tarde Jorge Cafrune fue nuevamente convocado por Ariel Ramírez, pero como "Las Voces del Huayra" se habían disuelto se formó otro conjunto, "Los Cantores del Alba", integrado por Tomás Campos, Gilberto Vaca, Javier Pantaleón y Jorge Cafrune. Sin embargo la personalidad de Jorge Cafrune haría que no se adaptara a formar parte de un conjunto, y aunque mantuvo su amistad con sus compañeros decidió hacerse solista.

El debut de Jorge Cafrune como solista se produjo en el "Centro Argentino" de la ciudad de Salta. Luego inició una gira por las provincias del Chaco, Corrientes y Entre Ríos, e intentó probar suerte en Buenos Aires, pero no logró despertar interés ni en radio ni en televisión. Entonces Jorge Cafrune se dirigió al Uruguay, donde realizó su primera actuación televisiva en el Canal 4 de ese país. El éxito obtenido alentó a Jorge Cafrune a realizar una gira por Uruguay y Brasil, aunque debido a su barba (que lucía desde que había terminado el servicio militar) tuvo dificultades en la frontera, por lo cual se desplazó en la línea fronteriza entre ambos países, actuando luego en Río Grande do Soul, Pelotas, Santa Catalina, Brasilia, entre otras ciudades.

Después de pasar un año fuera del país Jorge Cafrune retornó a Salta para pasar la Navidad y el Año nuevo con sus familiares, y de allí fue a Buenos Aires, donde actuó en el programa de televisión "La Pulpería de Mandinga", que conducía Jaime Dávalos, quien lo invitó para ir al Segundo Festival de Cosquín de 1962, donde lo presentaría a la gente de la Comisión Organizadora del Festival. Ya en esa ciudad el presidente de la Comisión, Dr. Wisner, lo escuchó mientras actuaba en la confitería "Europea", y decidió que participara en el festival, aunque fuera de cartel. Allí se presentó con "Zamba de mi esperanza" y "Orejano", y fue consagrado como primera Revelación de Cosquín, en base al aplauso del público.

En diciembre 1964 Jorge Cafrune solamente acompañado con su guitarra presentó la zamba "Que seas vos" de Marta Mendicute en el II Festival Odol de la Canción para canciones inéditas, y que resultó ser la ganadora. Este Concurso era organizado por Radio Mitre, que lo difundía en dúplex con Canal 13 de Buenos Aires. Lo auspiciaba la firma Odol y era producido por Blackie.

Jorge Cafrune volvió a participar varias veces en los festivales de Cosquín, pero el de 1965 es muy recordado porque contrariando a las autoridades del festival le cedió el escenario a una entonces desconocida Mercedes Sosa, que interpretó "Canción del derrumbe indio", de Fernando Figueredo Iramain, acompañándose solamente con su caja. Al presentarla Cafrune dijo que "seguramente tendré problemas con la comisión organizadora del festival", que se habría opuesto por la filiación comunista de la cantante. Ese mismo año Jorge Cafrune participó en la película "Cosquín, amor y folklore", y en 1966 en "Ya tiene comisario el pueblo", donde interpretando el personaje "El Negro" canta el vals "Orejano". Jorge Cafrune volvió a participar en las películas "El cantor enamorado" (1969), "Argentinísima" (1972) y "El canto cuenta su historia" (1976). En su actuación en el Festival de Cosquín de 1967 CBS le hizo entrega a Jorge Cafrune de su primer disco de oro por haber vendido un millón de discos.

Cosquín fue el espaldarazo que proyectó a la fama a Jorge Cafrune, que se escuchaba en todas las radios del país con su versión de la zamba "De mi esperanza", popularizaca por él. Hizo giras por todo el país, y entre ellas participó nuevamente con el elenco de Ariel Ramírez. Pero la más importante fue la llamada "De a caballo por mi Patria" en Homenaje a D. Angel Vicente Peñaloza (El Chacho), comenzada a mediados de 1967 y finalizada a fines de 1969. Aunque las autoridades habían prometido subvencionar los gastos, finalmente no cumplieron y Jorge Cafrune debió costearla de su propio bolsillo. Llevaban casas rodantes, un tanque de agua para los caballos y hasta una vaca lechera, con cuya leche la esposa de Jorge Cafrune preparaba yogur para cuando faltaban víveres. Lo acompañaban artistas poco conocidos a los cuales presentaba en el escenario, y algunos que hacían de representantes vendían el espectáculo en las localidades a las cuales luego llegarían. Como no siempre esos lugares estaban en condiciones de pagar lo suficiente como para cubrir los gastos, a veces debían salir a cazar para poder comer. Durante la semana Jorge Cafrune viajaba a Buenos Aires para cumplir sus compromisos radiales y televisivos.

Con esa gira Jorge Cafrune recorrió casi todo el país, y ya de regreso en Los Cardales, provincia de Buenos Aires (donde había fijado su residencia en diciembre de 1965), a fines de 1970 lo llamaron para ir a los Estados Unidos, formando parte de una comitiva Argentina. Allí Jorge Cafrune y Hugo del Carril fueron los más aplaudidos, un éxito inesperado hasta para la propia comitiva.

Luego integró otra comitiva, con cantores y bailarines, que se dirigió a España. Debido al éxito que obtuvo en ese país Jorge Cafrune fue contratado nuevamente, y fijó su residencia en Madrid, desde donde fue llegando a toda Europa. Lo que impactaba a ese público era la fuerza de sus interpretaciones y las ideas que encerraban las letras de sus canciones, con las que se sentía identificada la gente que sentía los rigores de la economía y la sociedad de consumo. Esto también molestaba a los que no compartían esas ideas.

En pleno éxodo de artistas que habían abandonado el país, Jorge Cafrune decidió volver a la Argentina durante la presidencia del Gral. Jorge Rafael Videla, para rendirle un homenaje al Libertador, Gral. San Martín. Para llevarlo a cabo Jorge Cafrune iba a ir desde la Capital Federal hasta Yapeyú, provincia de Corrientes, lugar de nacimiento de San Martín; allí depositaría tierra que había traído de Boulogne-sur-Mer, lugar donde falleció.

El recorrido lo realizó montando su caballo y acompañado por otro jinete, su amigo Fermín José Gutiérrez. Cuando todavía no había salido de la provincia de Buenos Aires, en la ruta lindante con la ciudad de Benavídez, fue atropellado por una camioneta sin luces conducida por un menor en estado de ebriedad en el anochecer del 31 de enero de 1978. Debido a que en el lugar no contaban con los medios idóneos, solamente recibió los primeros auxilios y falleció durante la primera hora del 1ro. de febrero. Tenía 40 años.

Biografía de Jaime Davalos

Nacido en la ciudad de Salta del 29 de enero de 1921, hijo de Don Juan Carlos Dávalos y de Doña Celecia Elena.

Cursó estudios en su ciudad natal. Recorrió íntegramente su suelo patrio, de uno a otro confín, en contacto íntimo con la tierra y sus hombres, bebiendo en los caminos, en las ciudades y aldeas ese rico venero que habría de transformar en poema, canto o relato.

Ha reunido en varios libros su producción de escritor, entre los que citamos : "Rastro Seco" (poemas, Salta, 1944), "El Nombrador" (poemas y canciones. Bs. As., 1957. Dos ediciones) ; "Toro viene el río" (relatos, Bs As., 1959 ; y "Coplas y canciones" (Bs. As. 1959)

Con respecto a las coplas, que él ha escrito y ha recopilado con ávido afán, dice Dávalos : " Desde México a nuestra Argentina, la copla bajó por sobre el geológico espinazo cordillerano del continente atando lenguas y corazones, fijando un alma y un idioma comunes, poniéndole palabras a nuestros desmesurados silencios planetarios, donde el hombre americano, síntesis de todas las razas, convive con su madre tierra, ama y trabaja atado a un solo destino : la unión definitiva de América".

Muchas de sus composiciones fueron recopiladas en 1962 en "Canciones de Jaime Dávalos". Entre ellas citamos : Zamba de la Candelaria, Zamba de un triste, Vidala del nombrador, Hacia la ausencia, Zamba de los mineros, La nochera, Zamba de San Juan, La angaquera, Tiempo dorado, La verderrama (cueca), Canción del jangadero, Trago de sombra, Pato sirirí, La golondrina, Zamba enamorada, Vamos a la Zafra.

Biografía de Horacio Guarany

Horacio Guarany nació el 15 de Mayo de 1925 en el chaco santafecino, en el pueblo de Las Garzas según fue anotado, pero en realidad fue hijo del monte, "La forestal" y la naturaleza. Horacio Guarany nació del matrimonio de un nativo de la zona bautizado como José Rodriguez y Feliciana Cereijo de Rodriguez nacida en León, España.

El padre de Horacio Guarany, indio y hachero del Chaco correntino, de muy niño fue llevado por un resero que lo pidió prestado para ayudar en el arreo. El hombre mató a otro en el camino y, mientras huía de la justicia se internó en Santa Fe donde abandonó a la criatura en una chacra de una colonia de chacareros españoles que le dieron su apellido, y luego se casó con una española, doña Feliciana Cereijo. El padre de Horacio Guarany fue hachero de La Forestal, y tuvo que ir adonde lo llevaba la empresa. Vivían a pleno monte y allí es donde nacieron los hijos, catorce en total. El 15 de mayo de 1925, cerca de Guasuncho o de Intillaco, precisamente en el monte nació el antepenúltimo, Eraclio Catalín, quien luego pasaría su infancia en Alto Verde, un pueblito humilde del litoral argentino (como dice en su zamba La litoreña). Porque Eraclio Catalín Rodriguez es el verdadero nombre de Horacio Guarany.

Desde niño Horacio Guarany fue atraído la música, especialmente el canto, y aprendió a tocar la guitarra con el maestro Santiago Aicardi. También le gustaba escribir, y en un cuaderno le escribía a personajes largas cartas que nunca se enviaron; ya más crecido abrió sus ojos al amor y le escribía a la muchacha de sus sueños cartas igualmente sin destino.

A los 17 o 18 años Horacio Guarany fue a Buenos Aires a probar suerte con el canto, pero la ciudad era dura. Vivía en una piecita de la calle California y cantaba en la Boca, en un boliche llamado "La rueda" (Almirante Brown y Necochea), donde los parroquianos le obsequiaban botellas de cerveza. Él con otros que cantaban allí reunían una docena de botellas por noche, se las cambiaban por dinero a don Carballo, el bolichero, y así comían al día siguiente. En una oportunidad en que Horacio Guarany estuvo enfermo y debió internarse en el Hospital Rawson, le prestó la piecita de la calle California a un amigo, que se fue con el calentador, la pava y la olla. ¡Todo lo que tenía!.

Entonces Horacio Guarany quedó en la calle, y uno de sus hermanos, a través de un amigo, le ofreció embarcarse. Horacio aceptó, y ni bien subió a bordo lo mandaron a hacer la provisión. Así se enteró de que se había embarcado como cocinero, oficio que no conocía, aunque sí el de marinero. Pero tuvo que hacerlo para que no lo echaran. Mientras hacía la provisión, un cocinero tartamudo, que después se hizo maestro de cocina de los barcos que iban a Europa, le dijo: "Eso no te alcanza para dos horas". Porque compraba un kilo de cada cosa. Le recomendó comprar una panceta grande, un tocino entero y unas damajuanas de vino, y así salió del paso.

Según sus propias palabras, Horacio Guarany ha tenido todos los oficios necesarios para poder seguir viviendo sin saber nada. Sin embargo declara haber sido un buen foguista, se hizo cocinero de barco a la fuerza, se considera un buen criador de gallos de riña y un buen vareador de caballos de carrera.

En 1957 Horacio Guarany debutó en Radio Belgrano y poco después su grabación de "El mensú", de Ramón Ayala, recorrería todas las radios. Horacio Guarany también fue uno de los pioneros que inauguraron el Festival Nacional de Cosquín en 1961, y su participación se hizo un clásico donde año tras año presentaba nuevas canciones. "Guitarra de medianoche", "Milonga para mi perro", "La guerrillera, "No sé por qué piensas tú", "Regalito", "Si se calla el cantor", y tantas otras. En 1972 Horacio Guarany filmó su primer largometraje "Si se calla el cantor", con Olga Zubarry, que trataba del triunfo de un hombre como cantante, luego de terribles experiencias de explotación. Luego, en 1974, dirigido por el mismo director Enrique Dawi, Horacio Guarany filmó "La vuelta de Martín Fierro", con Onofre Lovero, un relato paralelo de la vida de José Hernández y su obra.

Poco después Horacio Guarany tuvo que exiliarse en España tras haber sufrido amenazas reiteradas y atentados, y se hicieron desaparecer todos sus discos editados hasta ese momento. Volvió a la Argentina el 5 de diciembre de 1978, y solamente un mes más tarde, el 20 de enero del 79 pusieron una bomba en su casa de la calle Nahuel Huapi en la Capital Federal. Horacio Guarany decidió quedarse de todas maneras, aunque debió conformarse con realizar espectáculos en el interior del país.

Con el retorno de la democracia en 1983, Horacio Guarany volvió a los recitales y presentaciones televisivas. El domingo 22 de noviembre de 1987 actuó en la "Fiesta Nacional de la Tradición Frente al Mar" en Miramar, provincia de Buenos Aires, en su séptima edicion.

Amante del buen vino, Horacio Guarany creó antes del exilio, en su casa del barrio de Coghlan el famoso y bien conocido "Templo del Vino" donde agasajó por muchos años a sus amigos. Este sitio sufrió varios atentados durante las décadas de violencia en la República Argentina.

Armando Tejada Gomez, un gran amigo de Horacio Guarany, escribió una de sus biografías hasta el año 1976, de la cual parte de esta reseña toma datos históricos. Horacio Guarany relataba por teléfono desde el exilio algunos datos, y el exelente poeta todo lo demás.

Por inconvenientes personales Horacio Guarany se fue a vivir a un Barco y navegó por toda la Mesopotamia Argentina. Luego compró una finca con muchos árboles añosos, entre ellos frutales. Con los frutos de éstos su actual esposa y otro matrimonio se dedican a elaborar dulces artesanales. Y mientras ellos recogen las frutas Horacio Guarany disfruta en su piscina, que ya bastante trabajó en la vida, y además es su oficio el de cantar o escribir, y no solamente canciones. Entre 1992 y 1993 Horacio Guarany escribió tres novelas, "El loco de la guerra", "Las cartas del silencio" y "Sapucay".

Su última actuación fue en el Festival de doma y folklore de Jesús María, a los 89 años de edad. Falleció por un paro cardiorespiratorio el 13 de enero de 2017, a los 91 años.

Para saber más sobre este artista (Biografía ampliada, Discografía, Entrevistas, Fotos, Videoclips, Libros), visite Horacio Guarany.

Biografía de Hernan Figueroa Reyes

Nació un 14 de Septiembre de 1936 en Salta, el lugar del país que tantos valores de nuestro cancionero dio. Su padre José Figueroa Aráoz, fecundo escritor y su madre Mariela Reyes, creadora infatigable y precursora en el espectáculo de la Cacharpaya, alentaron en él la vida bohemia, creativa y de permanente estímulo.

Hernán traía en su haber toda una vida que desde la niñez se desarrolló en un hogar donde la creación artística era común y alentada por los integrantes su familia. De pequeño trabajó como empleado de kiosco, en una perfumería en la Estación de Retiro, vendedor de terrenos, corredor de seguros, Oficial Principal del Juzgado de Instrucción en lo criminal Nº 20 de la Capital Federal. Hizo de todo, hasta que se decidió dedicarse definitivamente a la música.

Cantor, autor, compositor y guitarrero Hernán Figueroa Reyes anduvo siempre con la guitarra y el canto a cuestas, que supo alternar con los libros de Derecho, pero abandonó su carrera para entregarse de lleno al canto, con alma y vida.

Hernán Figueroa Reyes debuta el 10 de octubre de 1960 en un baile de carnaval, con un conjunto vocal que hizo historia en la interpretación del cancionero nativo, Los Huanca Huá.

Ellos tenían una concepción armónica tan novedosa como original por sus arreglos y por su forma de presentarse ante el público: Sin atavíos gauchos, floreos guitarrísticos en las voces y cadencias provincianas en su acento. Toda una trasgresión para el folklore de ese tiempo.

La primera voz de dicho grupo era Hernán Figueroa Reyes, cantor de raza, dueño de una voz privilegiada, talento y angel; todos los dones de un verdadero artista se derramaron en él.

Con los Huanca Huá recorrió ese primer camino brillante y pleno de éxitos hasta que en 1963, o sea tres años después, abandona el grupo y se lanza como solista. Forma su conjunto con Emilio "Bocha" Martínez (Guitarra) y Hernán Rapella (Bombo).

Es un despegue meteórico asentado en una personalidad seductora, un timbre de voz personal y muy agradable, haciendo un repertorio con lo tradicional y nuevas obras de fuerte color nativista.

En la Plaza Próspero Molina de Cosquín obtiene la consagración definitiva, con tal énfasis que su versión de El Corralero se transforma en el mayor suceso discográfico del momento. Le siguen Zamba del Cantor Enamorado, El Tata está Viejo y Tendrás un Altar entre otros temas que lograron gran difusión, aumentando su éxito en un medio pleno de grandes artistas.

Luego tiene una participación importante en la película Ya tiene Comisario el Pueblo protagonizada por Niní Marshall y Ubaldo Martínez.

En TV conduce un ciclo musical junto a los más consagrados colegas de aquellos momentos, mostrando siempre una inagotable vocación creadora, musical y empresaria. El Palo Borracho y La Peña de Olivos fueron sus escenarios de mayor significación, recordados ambos como bastiones en la memoria del mundo del folklore. Muchos intérpretes encaminaron sus comienzos profesionales a partir de proyectos de este cantor-actor-empresario como María Helena o Roberto Rimoldi Fraga.

Hernán tenia una voz excepcional. Cuando su figura aparecía en un escenario el vértigo, una luminosidad diferente marcaban su presencia. Su energía deslumbraba las marquesinas y candilejas. Había nacido para ser una estrella fulgurante del folklore. Participó en todos los festivales del país: Cosquín, Baradero, Jesús María, Villa María, Guadalupe y Paraná. La última presentación en Santa Fé no pudo ser, donde se notó su ausencia sin aviso, pues la muerte le dio cita para aquel 6 de febrero de 1973. Después de pasar Zárate perdió la vida prematuramente, en pleno éxito, uno de los renovadores del folklore que más habían llegado al público.

Fuente: Julio DE LA Vega - Periodista, Músico y vecino de San Martín

Biografía de Eduardo Falu

El envidiable talento de Eduardo Falú, su digitación impecable y su altura como compositor lo convierten en uno de los más grandes intérpretes folclóricos de guitarra. Sin lugar a dudas Eduardo Falú es un gran maestro que ha vestido de gala nuestra música.

Su nombre completo es Eduardo Yamil Falú, y nació el 7 de julio de 1923 en El Galpón, un pequeño pueblo de Salta situado a unos 150 km de la capital de la provincia. Sus padres eran de origen sirio, Juan Falú y Fada Falú, ambos con el mismo apellido pero sin parentesco entre sí. Al poco tiempo se fueron a vivir a Metán, donde su padre administraba la finca "Las Juntas", en Yatasto, y tenía un almacén de ramos generales. Allí se crió Eduardo y fue a la escuela. Esta etapa de su vida fue similar a la de otros niños de esa época y región: cuidaba los caballos de su padre, pero también aprovechaba las siestas para cazar con la gomera y hacer las travesuras propias de su edad, como robar sandías.

A los once años empezó a tocar con la guitarra de su hermano mayor Alfredo, que tomaba clases con Nicolás Lamadrid "El Burro", y así aprendió los primeros acordes. En 1937 la familia se trasladó a Salta, donde Eduardo Falú realizó sus estudios secundarios en el Colegio Normal. A los 17 años debutó en Radio LV9 de Salta con un programa diario integrando el conjunto Los Troperos, y luego realizó una gira por el norte como solista.

Convocado por Buenaventura Luna formó parte de "La Tropilla de Huachi Pampa", conjunto integrado por Antonio Tormo, Diego Canales, Remberto Narváez, José Samuel Báez, Zarco Alejo (José Castorina), las guitarras de Alfredo Alfonso y José Zabala, además del propio Eduardo Falú como guitarra solista. De ese entonces datan sus primeras grabaciones, que salieron con el nombre del conjunto, entre las que figura su primera composición, un tema de aire incaico, "La fuga del sol". Compuso para Luna la música del aire puneño "Coquita y alcohol".

En 1944 hizo el servicio militar en el Regimiento Quinto de Caballería. En esos años su interés por la guitarra se transformó en una vocación que comenzó a sentir la necesidad de pulirse, de profesionalizarse, desarrollando el gusto por la música andina. También por esa época conoció a grandes poetas, como los hermanos Arturo y Jaime Dávalos (hijos del poeta y escritor Juan Carlos Dávalos), Díaz Villalba, Saravia Linares.

En 1941 Eduardo Falú había formado un dúo con César Perdiguero, un compañero de la escuela secundaria, con el que actuaban en actos escolares y a beneficio. Gente de Radio El Mundo los había escuchado, y en 1945 se radicaron en Buenos Aires para debutar el 3 de mayo en dicha emisora. El folclore todavía no tenía arraigo popular, de modo que con Perdiguero trataban de componer temas con ritmo andino, como el Carnavalito, el Huaino, el Bailecito, y así nacieron composiciones como "Tabacalera", "Albahaca sin carnaval" e "India madre".

Jaime Dávalos, un poeta de avanzada influido por Pablo Neruda y Mario Vargas Llosa, entre otros, aportó la profundidad de su poesía al folclore argentino, versos que Eduardo Falú captó en su esencia dándole su equivalente musical. La "Zamba de la Candelaria" (1949) fue la primera de una serie de composiciones de este binomio creativo, uno de los más importantes del folclore argentino. En 1950 grabó su primer disco simple en el sello TK, la "Vidala del nombrador", tema que compuso con Jaime Dávalos, y luego de terminar su ciclo en Radio El Mundo regresó a Salta.

De vuelta en Buenos Aires, Eduardo Falú decidió estudiar armonía con Carlos Guastavino, para perfeccionarse tanto como intérprete como compositor. A partir de entonces inició una serie de ciclos radiales y televisivos, grabó discos y realizó giras que le dieron prestigio internacional. Hacia 1952 compartió actuaciones radiales y teatrales con Los Fronterizos. En 1954 dio conciertos en Estados Unidos y se radicó luego en Buenos Aires. En 1958 llevó a cabo una gira por la Unión Soviética, y en 1959 se presentó en el "Teatro de la Ville" (ex Sarah Bernhardt) de París, donde grabó su disco "Falú en Paris", y luego actuó en el "Instituto Italoamericano" de Roma. En 1963 realizó más de cuarenta conciertos en Japón, con tanto éxito que volvió a hacerlo en 1965, 1966, 1969 y 1973, ofreciendo más de 200 recitales. En 1964 volvió a presentarse en estados Unidos, iniciando su gira en California. En 1968 recorrió España, Francia e Inglaterra, con tanto suceso en sus conciertos, que regresó en 1970 con la inclusión de Italia en su gira. En 1972 volvió a Estados Unidos dando conciertos en Houston, Washington y Los Ángeles. En 1975 viajó a Europa, pero esta vez para actuar en Alemania, Holanda, Austria, Suiza, Suecia, Noruega, y otros países. Después, realizó giras por Chile, Uruguay, Perú y Colombia. Dictó seminarios en Castres (Francia), Munich (Alemania), Córdoba (España), Ámsterdam (Holanda). Una persona decisiva en la proyección de su figura al mundo es María Luisa Anido, la gran concertista argentina; al igual que la representación artística de Conciertos Omar, del coscoíno Omar Buschiazzo.

Casado con Aída Nefer Fidélibus, la vida les ha dado dos hijos: Eduardo y Juan José. Éste, al igual que su padre, ha sentido una gran afición por la guitarra y el canto, y con él ha hecho varias presentaciones. En 1987 dieron un concierto en el "Music Hall" de New York. En 1992, la Embajada de la Republica Argentina, conjuntamente con la Sociedad Cultural para Latinoamérica y el Caribe, auspiciaron la presentación de ambos en el "St.John´s Smith Square" de Londres.

En 1996 Eduardo Falú interpretó la Primera Suite Argentina en el "Royal Festival May" de Londres, acompañado por la Orquesta de Cámara Inglesa. En 1997 ofreció un concierto en el "Queen Elizabeth Hall" de Londres junto con Juan José.

Su tarea compositiva iniciada con César Perdiguero (Tabacalera, India madre, Albahaca sin Carnaval) y continuada con Jaime Dávalos (Zamba de La Candelaria, Zamba de un triste, Trago de sombra, La Nostalgiosa, Rosa de los vientos, Resolana, El silbo del zorzal, Cuando se dice adiós, Las golondrinas, Canción del litoral, Cueca del arenal, La verde rama, Canto al sueño americano, Canto a Rosario y muchos otros títulos), "su cumpa", su ladero, su amigo, su más sólido compañero de partida, quien siempre le decía: "Hay que ponerle palabras al silencio del pueblo", se ha visto reforzada con colaboradores literarios como Manuel J. Castilla, Buenaventura Luna, Rolando Valladares, Albérico Mansilla, Marta Mendicute, José Ríos, León Benarós, Mario Ponce, e incluso Jorge Luis Borges, con quien compuso "José Hernández", y con Ernesto Sábato crearon "Romance para la muerte de Juan Lavalle"

En 1999 escribió su Segunda Suite Argentina, para flauta traversa corno y orquesta de cuerdas. En el año 2007, empresarios alemanes financiaron una película que cuenta la vida y obra de Eduardo Falú. Es funcionario activo de Sadaic (Sociedad de Autores y Compositores de Música) y reside en el Barrio de Belgrano, Buenos Aires, Argentina. Con más de 84 años sigue tocando la guitarra.

Biografía de El Chango Nieto

Carlos Alberto "El Chango" Nieto nació el 8 de Abril de 1943 en Campamento Vespucio, en la Provincia de Salta, una localidad cercana a Tartagal originada por la explotación petrolera. Por problemas de trabajo su familia se trasladó a La Plata, donde completó sus estudios secundarios en 1960 y comenzó la carrera de arquitectura. Era la época en que la música folklórica argentina estaba en su gran apogeo, de manera que en los ratos libres, como a la mayoría de los muchachos de su generación, le gustaba guitarrear.

En una de las peñas tradicionales de esa ciudad lo escuchó Hernán Figueroa Reyes, quien logró que le tomaran una prueba en la CBS. Al director de la compañía, que era norteamericano, le gustó porque según él "tenía voz de indio". Así es como graba su primer disco.

Hernán Figueroa Reyes le propuso ir a Cosquín, donde fue revelación del Festival de 1965, el mismo año en que se consagró Mercedes Sosa, a quien conoció allí. Por consejo de Figueroa Reyes se vistió con traje, algo poco usual para los folcloristas de la época. Al volver a Buenos Aires estuvo en televisión con Antonio Carrizo en "Sábados Continuados" y después en los "Sábados Circulares" de Nicolás Mancera, donde cantó "Qué mala suerte" y "Recuerdo salteño", dos de sus más grandes éxitos. Al segundo sábado Mancera le ofrece un contrato de exclusividad por tres años con Canal 13 en el programa más visto de la televisión argentina, que presentaba a artistas de la talla de Sandro, Leo Dan, Raphael, Serrat y Aznavour, entre otros. Solamente habían pasado seis meses desde su debut como profesional y ya era un ídolo para la juventud.

Aunque algunos lo consideran el iniciador del actual folclore melódico, él no estaba de acuerdo con esto, pues si bien interpretó temas románticos (el primero de este tipo fue Canción del Adiós), su estilo era netamente folclórico, mientras que lo actual está más orientado a la balada. Quizás lo que lo identificó más con lo romántico fue su éxito con el público femenino, que lo ponía a la par de los cantantes de moda del momento, como Sandro, Leo Dan o Palito Ortega. Era joven, delgado, vestía bien, y su manera de cantar, cerrando los ojos, totalmente concentrado en la interpretación, y casi siempre acompañándose con el bombo, también era muy particular y exclusiva. Poco después de comenzar en Sábados Circulares ya tenía nueve clubes de admiradoras.

A partir de su triunfo en Cosquin, grabó mas de 600 canciones, y recibió innumerables premios, entre ellos 2 Konex, 2 Discos de Oro, y el Camin de Oro a la Trayectoria. Su carrera artística se desarrolló principalmente en la Argentina, pero también actuó en numerosas ocasiones en otros países de América Latina, Europa, Estados Unidos y Canadá. El Chango Nieto, con más de cuarenta años de trayectoria, logró mantener una carrera coherente, exitosa y popular, y es considerado un clásico de nuestro folclore.

Falleció en la madrugada del 31 de enero de 2008 a los 64 años en el hospital Güemes de La Plata, donde estaba internado hacía varios días, debido a una larga enfermedad. En el Festival de Cosquín de ese año iba a protagonizar el espectáculo "Salta es una fiesta" junto a Las Voces de Orán, Canto 4 y Melania Pérez, junto al Ballet Camín, pero su enfermedad no se lo permitió. Sus restos descansan en un cementerio privado de la ciudad de La Plata.

Biografía de Buenaventura Luna

Eusebio de Jesús Dojorti, tal su verdadero nombre, nació el 19 de enero de 1906 en Huaco, un pequeño pueblo del departamento de Jáchal, provincia de San Juan.

Además de político y periodista, fue un cronista musical de su propia gente. En todas sus obras no solamente mostró a Huaco, a Jáchal, o a San Juan, sino a todo un país.

Fue uno de los grandes de la música popular argentina. Alto, severo, de oscura tez curtida por el sol, fue un incansable creador, un innovador por naturaleza. Como a muchos provincianos se lo conoció después de triunfar en Buenos Aires. Creó la Tropilla de Huachi Pampa, un reconocido grupo musical integrado entre otros por: Antonio Tormo, Remberto Narváez, Zarco Alejo, José Samuel Báez, Diego Canale, Eduardo Falú y las guitarras de Alfredo Alfonso y José Zabala, conjunto que conociera el éxito a fines de los años ´30 y durante la década del ´40.

Escribió varias zambas y canciones célebres, compartiendo la autoría en: Este camino que va con Atahualpa Yupanqui, Por qué será que parece y Zamba de la Tolderia con Oscar Valles y Fernando Portal, Puentecito de mi río (vals), Tuna tunita (gato), De pago en pago (canción) con Tormo y Canales, El carrerito (tonada) con Fernando Portal, Copla de ausencia (zamba) con Eduardo Falú. De su exclusiva autoría son: Quiero Volver, Aquí, Canto Final, Vallecito, La última carreta, En el destierro, En la taberna, La noche, Romance del viento largo, y su obra cumbre: Las Sentencias del Tata Viejo.

Condujo polémicos programas radiales en su provincia y en Buenos Aires. Conoció la persecución política y la cárcel. A pesar de sus éxitos, siempre retornaba a su fuente de inspiración: El viejo molino de Huaco.

Sus últimos días fueron tristes. Fue operado de un cáncer de laringe en el Policlínico de San Martín, provincia de Buenos Aires, y como consecuencia de este mal quedó casi sin habla, pues se le efectuó una traqueotomía. Sus amigos más íntimos -Fernando Portal, Eduardo Falu, Fermín Alvarez, Carlos Vega Pereda y Carlos Lastra (integrantes de los Quilla Huasi)- lo acompañaron en sus últimos días. Cuando llegó su hora, el 29 de julio de 1955, a los 49 años, cubrieron su cuerpo con su poncho y en el panteón de SADAIC del cementerio de la Chacarita, Alfonso y Zabala tocaron una tonada.

Su último deseo fue que sus restos fueran enterrados en Huaco, su pueblo natal. Un año más tarde después de su muerte, su deseo pudo cumplirse: luego de que se le rindieran los honores en la capital sanjuanina y luego en Jáchal, llegó a Huaco; en Pampa del Chañar, al pie de un algarrobo, como marco de la tradición, un grupo de arrieros lo esperaba con canciones. Así llega Buenaventura a su tumba con forma de guitarra.

Todos los 29 de julio de cada año, los escolares forman una improvisada guardia, los arrieros llegan hasta el lugar entonando canciones y hasta se baila al son de las guitarras, al pie de la tumba del poeta.

Y quizá por don Buenaventura Luna o porque siempre fue así, lo cierto es que en Huaco, el cementerio es alegre y nadie le teme a la muerte.

Colaboración de Fabián A. Núñez (Jáchal, San Juan).

Biografía de Arsenio Aguirre

Arsenio Aguirre nació el 28 de agosto de 1923 en Juncal, provincia de Santa Fe, pero luego sus padres se trasladaron a Rosario. Su padre, Arsenio Aguirre, fue también cantor, muy buen guitarrista, un lírico... Sabía perfectamente lo que significa hacer del canto una vocación y a la vez un medio de vida, y por eso no quiso para el hijo los sacrificios que él había sufrido en carne propia, y le deseó para un destino más fácil o más alto... Pero su madre, Elena Aranda de Aguirre alentó en Arsenio la inquietud tremenda que siempre sintió por la guitarra. Y, por fin, no se pudo con él, porque todo era, desde niño, ver una guitarra y emocionarse, perderse... Su padre -que amaba hondamente la guitarra- debió sobrevivir con mil oficios. Entre ellos panadero. Pero los sábados y domingos eran suyos... y a su casa de la calle Isabel la Católica caían los amigos. Arsenio Aguirre se crió escuchando guitarras...

LA GUITARRA PROHIBIDA

Arsenio Aguirre tuvo durante no poco tiempo -según adelantamos- la guitarra "prohibida". Era como si su padre quisiera restarlo a los dolores y trajines que derivan de volcarse totalmente hacia el canto y la armonía rasgueada, para vivir, o malvivir, de ello. Aprendió la guitarra misteriosamente... Tenía 11 ó 12 años cuando su padre enfermó. En ese ínterin, él enseñaba guitarra para que entraran a su casa algunos pocos pesos. No faltaba el mate, porque se enseñaba en casa de criollos, y el chico era el cebador. ¡Cuántas veces se habrá quemado las manos con el agua caliente, porque estaba más atento a la lección que su padre daba a otros, que al mate! Para aquel tiempo se habían mudado ya a la calle Virasoro 1460, en Rosario. Arsenio no sacaba los ojos del diapasón cada vez que su padre daba sus lecciones. En los momentos libres, tomaba la guitarra a escondidas. Y cuando quiso acordarse, tocaba un poquito... Un día lo descubrió... Fue una tarde de invierno. Se quedó sorprendido. Su madre le insistió: "¿Ves? Tenés que enseñarle...". Lo había vencido con su tremendo entusiasmo. Su padre comprendió, porque era criollo... Desde entonces, comenzó a enseñarle. Cuando falleció, Arsenio se convirtió en improvisado jefe de la familia (tenía 13 años), tuvo que dejar sus estudios primarios para salir a trabajar. Vendió diarios y caramelos por la calle. Pero la guitarra siguió fascinándolo siempre... Frente a su casa había un almacén, al que caían guitarreros y payadores. Cuando iba a hacer algún mandado, se "prendía". Aquello era el gusto de cantar, el gusto más lindo de la vida, sacar lo que se tiene adentro, en el canto. Así, preguntando, fue aprendiendo, perfeccionando su ejecución en la guitarra. Fue, en todo, autodidacta...

UN JUICIO DE MARIA LUISA ANIDO

Un día Arsenio Aguirre le pidió a la gran guitarrista María Luisa Anido que lo ayudara, pues quería perfeccionar su técnica. "Lo que usted hace está muy bien en el camino que ha elegido. Su técnica de ejecución indica que usted se ha preocupado por estudiar, por elevar sus recursos de guitarrista." Fue para Arsenio Aguirre un honor, un alto estímulo...

Andar y andar parece haber sido el destino de Arsenio Aguirre. Entretanto, han quedado sus canciones en el camino, jalonando los rumbos de su emoción. Cantor y guitarrista, comenzó su actuación por LT 2 de Rosario, a los 17 años de edad, como acompañante. Acompañó con su guitarra a "Los Troperos de Pampa de Achala", a Nelly Omar, a Héctor Mauré (en la interpretación de tangos). También Arsenio Aguirre fue uno de los cuatro guitarristas de Margarita Palacios, y primer guitarrista de Ima Sumac, con quien recorrió todo nuestro país. A partir de 1952 Aguirre se hizo solista y dejó de ser acompañante. En sus actuaciones no se limitaba a interpretar una camposición determinada, sino que conversaba con el público, volcando lo mucho que había visto y vivido en sus andanzas por América, explicando el carácter de la composición interpretada, sóbre todo si se trataba de música del Altiplano y de otros ámbitos, que exige un conocimiento especial para captar más completamente su sabor. Así llevó a la guitarra las canciones de los indios chapacos, gentes de Tarija (Bolivia), que hablan un castellano del tiempo de la conquista, ingenuos seres que todo lo dicen con coplas y entre los que la declaración amorosa toma la forma de una verdadera relación, un diálogo versificado e improvisado según las circunstancias.

En la sección de Folclore Argentino Así nació esta canción nos ocupamos de dos temas de Arsenio Aguirre: Guitarra trasnochada y El quiaqueño, ambos incluidos en el Cancionero. También muy conocida es su zamba La dejé partir.

Arsenio Aguirre falleció el 18 de octubre de 1990 en Rosario. El 6 de octubre de 2005 fue declarado Ciudadano Ilustre post mortem de la ciudad de Rosario.

Biografía de Argentino Luna

Argentino Luna es el nombre artístico del cantor, autor y compositor Rodolfo Giménez, nacido el 21 de junio de 1941 en General Madariaga, Provincia de Buenos Aires. Su madre, Esperanza Castañares y su padre, Juan Lino Giménez, eran campesinos y tuvieron otros cinco hijos, además de Rodolfo.

Según cuenta el propio Argentino Luna, tuvo una infancia tranquila y feliz, en contacto con la naturaleza de la campiña bonaerense, con la austera pobreza de una familia campesina. Su padre conoció todos los oficios de la gente de a caballo, y su madre se ocupaba de diversas labores, entre ellas la de cocinera para los peones de las estancias.

Y es en el campo donde Argentino Luna tomó contacto con la música de la zona, milongas, huellas, estilos y cifras, interpretadas por algún paisano aficionado a guitarrear. También allí seguramente fue tomando conciencia de la situación de esas gentes, que en sus coplas probablemente cantarían sobre las penurias e injusticias que muchas veces debían soportar, y que después estaría presente en varias de sus canciones.

Luego los padres de Argentino Luna fueron a trabajar a Villa Gessel, en la costa atlántica, en una época en que recién asomaba como balneario. Allí transcurrió buena parte de su niñez y adolecencia, cursó la escuela primaria, y ayudó a su familia con diferentes trabajos. Con un carrito arenero que tenia su padre sacaba arena de la playa, fue peón de albañil en las obras en construccion, y también fotógrafo, pero siempre que se presentaba la oportunidad hacía lo que más le gustaba, que era cantar.

Argentino Luna se casó muy joven, y con su esposa Ana María tuvieron cuatro hijas. Con su familia se trasladó a Buenos Aires, y empezó a frecuentar los lugares donde se guitarreaba para participar cantando una milonga, una cifra, un estilo o narrando algún relato campero que contaba quién era o de qué lugar venía. Como tantos otros artistas de nuestra música folclórica, con muchos sueños y poco dinero se fue abriendo camino hasta que finalmente pudo conocerlo el gran público.

En sus comienzos actuaba con su verdadero nombre, Rodolfo Giménez, pero cuando intentó grabar su primer disco, le dijeron que no era posible que lo hiciera con ese "seudónimo", porque ya lo había registrado otro. Les aclaró que no era un seudónimo, sino su nombre real, pero le respondieron que para grabar era necesario que el nombre estuviese registrado, como si fuera la marca de un producto, y no se podía repetir. De tal manera, por propia decisión o a sugerencia del sello discográfico, adoptó el seudónimo de Argentino Luna.

Poeta, cantor y guitarrero, Argentino Luna recorrió toda la Argentina y también diversos países, adonde llegó con su guitarra y sus canciones para hacer conocer la música argentina. Estuvo en Japón, España, Estados Unidos, Panamá, Costa Rica, Uruguay, y Brasil.

Argentino Luna es autor de más de 300 composiciones que han sido grabadas por él y por otros intérpretes, entre las cuales las más difundidas son "Zamba para decir adios", su primer gran exito, "Mire qué lindo es mi país paisano", "Mirá, lo que son las cosas", "Pero el poncho no aparece", y "Me preguntan como ando". También ha cultivado con éxito la poesía gauchesca, llevando al disco poemas como Tierra arada y el mucho más conocido Romance del Malevo.

Argentino Luna ha sido premiado con La Palma de Plata, El Limón de Oro, El Gardel de Oro, y El Charrúa de Oro. Fue declarado ciudadano ilustre de General Madariaga, su ciudad natal, y el escenario de la Fiesta del Gaucho lleva su nombre; también el escenario de la Fiesta de la Sangría, en Inés Indart, lleva el nombre de Argentino Luna.

Falleció en Capital Federal el 19 de marzo de 2011. Había sido internado el 6 de febrero en grave estado en el hospital de la ciudad de Caleta Olivia, en el norte de Santa Cruz, luego de sufrir una descompensación renal cuando realizaba una gira por la zona. El 23 de febrero fue trasladado en un avión sanitario al Centro Modelo de Nefrología y Diálisis de la Fundación Favaloro, donde el sábado 19 de marzo por la noche tuvo un paro cardíaco y dejó de existir.